Museo Nacional de Artes Visuales
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Exposiciones actuales



2017





Recreo, c.1924 - Petrona Viera (1895-1960) - Óleo - Tela - 86 x 90 cm - Colección MNAV
Recreo, c.1924
Petrona Viera (1895-1960)
Óleo - Tela
86 x 90 cm

Pintura constructiva, c.1929 - Joaquín Torres García (1874-1949) - Óleo - Cartón - 44 x 35,5 cm - Colección MNAV
Pintura constructiva, c.1929
Joaquín Torres García (1874-1949)
Óleo - Cartón
44 x 35,5 cm

Colección MNAV

Desde el martes 3 de enero al domingo 31 de diciembre de 2017
Sala 2

EL Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), creado en 1911 en su actual ubicación, ha incorporado a lo largo de su existencia un acervo de más de seis mil obras, especialmente de artistas nacionales, conformando en la actualidad la colección artística más importante y representativa del patrimonio artístico del Uruguay.

El MNAV expone, preserva, investiga y difunde la mayor parte de los ejemplos constituyentes de distintas influencias, mayoritariamente de fuertes acentos europeos, característicos, además, de una sociedad aluvional proveniente de Europa. Desde los últimos decenios del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX -previamente a la fundación del Círculo de Bellas Artes en 1905- nuestros artistas se formaban con maestros extranjeros en Uruguay, o beneficiados con la Ley de becas de 1907, completaban su aprendizaje en tierras europeas (especialmente España, Italia y Francia), dejando improntas en su producción. Sin embargo, en su desarrollo histórico, y con motivaciones técnicas, filosóficas o ideológicas, se vislumbran asimismo ejemplos vinculantes que vindican la región y el continente americano. Son ejemplos de ello parte de la producción de Juan Manuel Blanes, Pedro Figari, Joaquín Torres García, entre otros. A lo largo de su recorrido histórico los artistas uruguayos en el exterior se relacionaban con otros provenientes diferentes países latinoamericanos, o establecían lazos con la región; es el caso de Humberto Causa, María Freire, Pedro Costigliolo, Nelson Ramos, solo ejemplos de una lista mucho más larga.

La presente selección de obras de la colección del MNAV tiene por cometido manifestar las múltiples posibilidades de lecturas de la producción artística de Uruguay, en la certidumbre que a través de ella emergen, se aglutinan, confrontan y debaten los flujos de una sociedad en sus diferentes momentos de conformación, en movimiento y desarrollo incesante.

María Eugenia Grau
Coordinadora del Área Educativa del MNAV





Daniel Batalla - El comienzo, 2017 - Técnica mixta,  - 87  x  69  x  14  cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Daniel Batalla
El comienzo, 2017
Técnica mixta,
87 x 69 x 14 cm

Judith Brítez - Serie vertical  II, 2016 - Hierro - 174  x  150  cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Judith Brítez
Serie vertical II, 2016
Hierro
174 x 150 cm

Gabriel Bruzzone - "Mboi", 2017 - Madera policromada, técnica mixta - 125 x 75 cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Gabriel Bruzzone
"Mboi", 2017
Madera policromada, técnica mixta
125 x 75 cm

Marcelo Larrosa - Homenaje a Cardozo Pino, 2017 - Óleo sobre arpillera - 160 x 140 cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Marcelo Larrosa
Homenaje a Cardozo Pino, 2017
Óleo sobre arpillera
160 x 140 cm

Julio Mancebo - Verano, 2015 - Oleo sobre tela - 200 x 200 cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Julio Mancebo
Verano, 2015
Oleo sobre tela
200 x 200 cm

Gustavo Serra - Símbolos curvos, 2012-17 - Óleo sobre tela - 147  x  153  cm - La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo
Gustavo Serra
Símbolos curvos, 2012-17
Óleo sobre tela
147 x 153 cm

La tradición rebelada - Arte abstracto uruguayo


La tradición rebelada
Arte abstracto uruguayo

Desde el viernes 4 de agosto al domingo 1 de octubre de 2017
Sala 4

"Los artistas que integran esta muestra -Mancebo (1933), Batalla (1960), Bruzzone (1965), Serra (1966), Larrosa (1971) y Brítez (1975)- se inscriben, como veremos, en una rica tradición. Forman parte, de manera más o menos directa, del más influyente de los movimientos artísticos del siglo xx concebidos en y desde América del Sur. Son abstractos en toda la dimensión que a esa noción le dio el Universalismo Constructivo, movimiento impulsado por Joaquín Torres García hacia 1934, una vez que se radica definitivamente en Montevideo, luego de 43 años de trayectoria en las primeras filas de las vanguardias europeas y estadounidense. Hablar de arte abstracto en Uruguay nos lleva entonces ineludiblemente a referirnos a esa tradición de arte constructivo que tuvo en la región a uno de sus más originales exponentes: la llamada Escuela del Sur. Desde esta tradición, lo abstracto se refiere antes a la «idea» que a las «cosas». Hacer abstracción de la representación significa rescatar lo profundo del arte, que está «en la arquitectura o construcción de la obra» (Torres García, 1952: 31). Es la construcción la que va a proporcionar los valores abstractos a una obra, tanto en lo formal como en los tonos y los valores. La construcción va a aportar armonía al conjunto de la obra y a través de ella se va a lograr la unidad. Donde no hay abstracción -decía Torres García- no hay construcción".

Germán Silveira - La tradición rebelada 


"El Museo Nacional de Artes Visuales presenta la obra de seis artistas cuyo hilo conductor es la abstracción geométrica-constructiva. Julio Mancebo, Gustavo Serra, Marcelo Larrosa, Gabriel Bruzzone, Judith Brítez y Daniel Batalla forman parte de tres generaciones de discípulos del Taller Torres García.
Joaquín Torres García ha sido una gran influencia para estos artistas, como para numerosos artistas nacionales y latinoamericanos, tanto por sus conceptos artísticos como por sus conceptos ideológicos.
El interés de Torres García en encontrar una tradición artística en las culturas prehispánicas sudamericanas no solo cambió su obra sino también el curso del arte en nuestro continente, creando una nueva conciencia de la identidad artístico-cultural: un plan geométrico y simbólico que es la base de la Escuela del Sur.
En 1943, Torres García funda el Taller Torres García con un grupo de jóvenes abiertos a nuevas ideas, con quienes profundizará la tradición geométrica del continente en diferentes expresiones artísticas: pintura, escultura, cerámica, mural, tapicería y arquitectura. En el Taller, Torres enseñó estas disciplinas con un enfoque modernista, creando un método personal de enseñanza, independiente de la academia europea.
La visión torresgarciana se manifiesta en sus discípulos directos, que la han mantenido viva, formando a nuevas generaciones de artistas de manera constante. Ellos continúan con su universo constructivo, trascendiendo y perpetuando su lenguaje universal. Un lenguaje que identifica mundialmente a la Escuela del Sur, donde tanto abstracción como figuración son construidas dentro de un plan ortogonal. El espacio pictórico se estructura con un andamiaje geométrico, donde imágenes esquemáticas de la realidad, símbolos y pictogramas, crean una visión constructiva universal.
En esta exposición, los artistas nos presentan un cuerpo de obra donde cada uno expresa su voz en el contexto pictórico-escultórico de Torres, unidos bajo un denominador común: «la estructura geométrica»".

Anna Rank

Daniel Batalla.
Treinta y Tres, 1960. Estudia dibujo y pintura con artistas que conformaron el Taller Torres García: 1982 - Daymán Antúnez; 1987 - Augusto Torres y Elsa Andrada en 1988.
Expone en diversas galerías y exposiciones. ARTEBA99, Buenos Aires, Galería Cecilia de Torres, Nueva York. 2001: Galería Odalys, Venezuela. Fundación Daniela Chappard / Galería Diners, Bogotá, Colombia. "Sobremuros" International Visions The Gallery, USA. 2004: "The Path of the School of the South" University Galleries, USA / Muestra Ritter Art Gallery, USA. 2006: "Passion et raison d´un Espirit Constructif", Biarritz, Francia. 2007: "Embotellate", Somethig Special Recorre Latinoamérica - Intervención creativa. 2008: Muestra Homenaje a Gonzalo Fonseca "Sobre los Muros", Montevideo. 2012: "Tradición y Modernidad", Mantra, Punta del Este. 2015: "Arte Abstracto Uruguayo", Saronno. Integra la Colección Katoen Natie. 2016: "Arte Abstracto Uruguayo", Instituto Cervantes, Milán. Exposición "sobremuros", Sala Carlos Federico Sáez, MTOP, Montevideo. Exposición "Blanes Ocupado" Museo Juan Manuel Blanes.

Judith Di Sano Britez.
Montevideo, 1975. Primeras experiencias artísticas en el taller de sus abuelos maternos. En 1999 viaja a San Francisco, California con su abuelo escultor e inicia trabajos hasta el 2005 con su madre Francesca Di Sano y su hermana Maritza Britez. En 2002 obtiene una beca de restauro en Firenze, Italia. Crea su Proyecto: Elaborar y Pensar a través del Arte. Inicia clases con el escultor Federico Arnaud. Trabaja en propuestas dentro del Ministerio de Desarrollo Social, Ministerio de Salud Pública, SERPAJ, en relación a los Derechos Humanos. En 2009 conoce a la Señora Sofía de Arden Quin, en 2011 la invita a ser parte del Movimiento Madi Argentino. Muestra Madi Internacional en el Palais de Glace en Buenos Aires. 2011, establece primeros contactos con el Profesor Tomás Maldonado y lo visita en su estudio en Milán en 2015. 2015: Muestra en Saronno, "Arte Abstracto Uruguayo". 2016, muestra en Milán. Muestra en Torino "Constructivo-Madi". Buenos Aires, "Constructivo-Madi".

Gabriel Bruzzone.
Montevideo. 1965. En 1984 realiza estudios de dibujo y pintura con el Maestro Pepe Montes. En 1988 studia en el Taller del Prof. A. Hernández en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Entre 1991 y 1993 hace un viaje de estudios a París, Francia. Del 1999 al 2002 dirige el taller de dibujo y pintura del Museo Torres García. En 2004 se radica en Tübingen, Alemania donde imparte clases de pintura a estudiantes de la Universidad de Tübingen. En 2012 asume el cargo de grado 5 como Prof. Titular del TLOEP en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, Udelar, Montevideo, Uruguay.
Exposiciones
2001 - Exposición individual en el Museo Torres García.
2002 - Expone en "Uruguay Cultural Foundation for the arts" en Washington D.C., USA.
2003 - Expone en Casa "Amatler" Barcelona, España.
2004 - Expone en "Infinitus Galerie", Tübingen, Alemania.
2005 - Muestra individual en el Museo Uge- Bärtle-Haus, Tübingen, Alemania.
Expone en la sala "Espacio Pedro Figari" del BCU junto a los artistas Anhelo Hernández y Marcelo Larrosa.
2012 - Expone junto a J. Pelayo en la Fundación Espacio Cultural.
2015 - Exposición colectiva "Arte Abstracto Uruguayo" en Comune di Soronno, Italia.
2016- Exposición colectiva "Arte Abstracto Uruguayo" 2 etapa en el Instituto Cervantes de Milán, Italia.

Marcelo Larrosa Martinatto.
Montevideo, 1971. Estudia con Carlos Medina (Barquisimeto) Venezuela. Funda taller La Piedra. Discípulo de Julio Alpuy y Anhelo Hernández. Expone en diversas partes de América y Europa. En 2001 visita el estudio de Eduardo Ramírez Villamizar, Colombia. 2003 consigue una beca en Palazzo Spinelli en Florencia, Italia. 2003: Passion et raising d un espírit constructiv- Biarritz Francia. Desde el 2007 crea el taller a instancias de Julio Alpuy y da clases basado en principios constructivos en el hacer. En 2013 expone en el Museo de arte Contemporáneo El País. En 2015 forma parte de la colección Katoen Natie. Una obra es reproducida en el libro "Arte desde América Latina" de Laurens Dhaenens, Bélgica.
En 2015 expone en "Arte Abstracto Uruguayo" en Saronno. Conoce en su estudio en Milán a Tomas Maldonado. 2016: Muestra "Arte abstracto Uruguayo" se expone en Milán. Muestra en Torino "Constructivo-Madi". Participa en Buenos Aires en la exposición "Constructivo-Madi".

Julio Mancebo.
Montevideo, 1933. En 1942 empieza a estudiar pintura con Manolo Lima. En 1944 ingresa al Taller Torres García donde permanece hasta su clausura. Participando en todas las exposiciones colectivas. Es detenido por razones políticas en 1975 y en 1983 viaja a Suecia como refugiado político. En 1994 viaja a Uruguay. A partir de entonces alterna su residencia en Uruguay y Suecia. Además de pintar trabaja con metales, maderas, gobelinos, cerámicas y hormigón.

Gustavo Serra.
Montevideo, 1966. Sus maestros son Day Man Antúnez, Augusto Torres, Francisco Matto, Julio Alpuy y Gonzalo Fonseca; haber recibido de ellos sus enseñanzas y amistad, marca su vida. Colabora y asiste en todos los quehaceres del arte a Francisco Matto entre 1988 y 1995 incluido sus escritos y su Museo de Arte Precolombino. Trabaja con Gonzalo Fonseca en sus talleres de Nueva York y Serravezza, en la década del 90. Comparte lo aprendido desde la docencia en el taller de dibujo y pintura del Museo Torres García entre 2003 y 2006. Expone dentro y fuera de Uruguay desde fines de los 80 y forma parte de equipos de trabajo colaborando en muestras de Torres García y de sus discípulos. Realiza su primera muestra individual en el año 1997 en Montevideo en Galería Moretti. El vínculo con la obra de sus maestros perdura en el tiempo, en 2004 expone con todos ellos y Torres García en Ritter Art Gallery, Florida Atlantic University, Boca Ratón, USA. Desde su creación en 2012 forma parte de la directiva de las fundaciones Francisco Matto y Julio Alpuy.




No figuran, 2009 - Nelson Romero - Nelson Romero - El arte como acontecimiento
No figuran, 2009
Nelson Romero

Nelson Romero - El arte como acontecimiento


Nelson Romero
El arte como acontecimiento

Desde el jueves 10 de agosto al domingo 1 de octubre de 2017
Sala 3

"Elogio de la Locura ... tributo a Hugo Nantes"

Estos dibujos nacieron con la inmediatez de una revelación, están hechos con una técnica espontánea y desordenada, como un alegato desesperado. Ciertos momentos en la obra de Nantes, se aproximan a la obra gráfica de Francisco Goya.
Hay una paridad entre las "Pinturas Negras", los "desastres de la Guerra" del aragonés, y las "Esculturas Negras" de Nantes. Ambas series, tienen como detonante un hecho común: el triunfo de la estupidez humana.
En la España de Goya, la invasión de Napoleón desangra a un pueblo a través de un muestrario pavoroso de miserias, torturas, fusilamientos y apoteosis del absurdo. Goya lo registra con sorda indignación en imágenes salidas de una persistente y fatigosa pesadilla. En Uruguay, Nantes comienza en 1974 sus esculturas en chatarra, bajo la presión del fascismo criollo. De esa noche que dura más de un decenio, surge una galería de figuras corroídas, implorantes y desencajadas, sobrevivientes de un Apocalipsis. Mientras crea sus esperpentos y denuncia el imperio del terror y la arbitrariedad sobre su pueblo, Nantes también comprende, como Goya, que "el sueño de la razón produce monstruos".
Goya estuvo siempre presente en nuestras largas conversaciones con Hugo. Y nuestra concordancia de que el creador es un producto de sus momentos históricos y de su medio vital.
Así, en esta serie de dibujos, he tomado la enseñanza de los dos maestros, metamorfoseados por mis ángeles y demonios que perviven desde mi prehistórica espiritual.
Hay también una evocación del "Elogio de la Locura", de Erasmo Rotterdam.
Muchos de estos dibujos, nacieron de mi propio entorno pueblerino; de padecer situaciones y personajes ridículos que rigen la vida de la sociedad, en una parodia tragicómica. Así, veo una humanidad errante, por tierras calcinadas, sin horizontes y sin esperanza. Hambre, miseria, vacío absurdo, locura general.
Juicios Kafkianos, de veredictos eternamente postergados, donde jueces bestializados interrogan a seres destruidos. Ciegos que conducen multitudes; caudillos mesiánicos que cabalgan sobre la miseria del pueblo.
Censores y clérigos simoníacos que predican la salvación y que ofician de policía espiritual del mundo junto a alcahuetes y adulones de turno. Vaya pues, este modesto tributo al amigo, y al maestro.

Nelson Romero




Mariano Molina - All over the wall - 250 x 750 cm - 2009-2017 - Prólogo contemporáneo para una colección moderna - BIENALSUR
Mariano Molina
All over the wall
250 x 750 cm
2009-2017

Regina José Galindo - Alud - Documentación performance - Foto: Eleftheria Kalpenidou - Prólogo contemporáneo para una colección moderna - BIENALSUR
Regina José Galindo
Alud
Documentación performance
Foto: Eleftheria Kalpenidou

Alberto Lastreto Prieto - El Prócer - Video - 3' 51'' - Prólogo contemporáneo para una colección moderna - BIENALSUR
Alberto Lastreto Prieto
El Prócer
Video
3' 51''

Joaquín Aras - Alegoría  - 2017 - Video digital monocanal - 07:45 min - Prólogo contemporáneo para una colección moderna - BIENALSUR
Joaquín Aras
Alegoría
2017
Video digital monocanal
07:45 min

Prólogo contemporáneo para una colección moderna - BIENALSUR


Prólogo contemporáneo para una colección moderna
BIENALSUR

Desde el miércoles 23 de agosto al domingo 5 de noviembre de 2017
Sala 2

Km: 284
Expo: Prólogo contemporáneo para una colección moderna (selección de colecciones privadas y de artistas)

País: Uruguay
Ciudad: Montevideo
Sede: Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV)
Curaduría: Diana Wechsler

Una y otra vez se ha sentenciado la muerte de la pintura, la muerte del arte, su imposibilidad. Sin embargo, la profusión de proyectos y trabajos que habitan la escena contemporánea parecería rebatir aquellas apocalípticas advertencias.
En este sentido, esta muestra pensada a manera de prólogo contemporáneo para la colección permanente del MNAV de Montevideo, se sitúa en las formas en que algunos artistas contemporáneos buscan revisar a modo de cita, reapropiación o alegoría, aspectos que atraviesan la historia del arte, así como la lógica del sistema que los rige.
El mural efímero de Mariano Molina invita a repensar la pintura, su vigencia y las formas posibles de un "realismo". Por otro lado, la alegoría de Joaquín Aras activa -en el formato de un film de los años '50- una reflexión sobre el fin de los tiempos en donde el arte, o más bien una obra, sigue siendo objeto de disputa. Con Pietá, Punishment, El Prócer y Alud, las alegorías, metáforas y referencias a la historia del arte y la representación europeo-occidental se presentan de distintas formas entre apropiaciones y parodias, reactivando sentidos contemporáneos. El trabajo de Chaia, entre tanto, reenvía al espacio del arte moderno y sus búsquedas abstracto-geométricas.
Con este acotado repertorio seleccionado se busca activar desde el presente una mirada sobre las distintas tradiciones que residen en la base del arte moderno de la región, representado de manera singular en cada una de las obras de la colección del MNAV.




SECUENCIA DE LA CAÍDA - 5 piezas de cerámica bizcochada sobre base de madera 60 x 40 x 4 cm - 1983 - Sin firma - Silveira y Abbondanza: un legado
SECUENCIA DE LA CAÍDA
5 piezas de cerámica bizcochada sobre base de madera 60 x 40 x 4 cm
1983
Sin firma

PONIÉNDOSE DE PIE - 15 figuras de cerámica bizcochada de 10 a 14 cm de altura, sobre base de madera de 85 x 50 cm - 1983 - Sin firma - Silveira y Abbondanza: un legado
PONIÉNDOSE DE PIE
15 figuras de cerámica bizcochada de 10 a 14 cm de altura, sobre base de madera de 85 x 50 cm
1983
Sin firma

CON GOTAS - Jarrón de cerámica con esmalte que gotea - Altura 19 cm - 1971 - Firmado Silveira y Abbondanza 71 - Silveira y Abbondanza: un legado
CON GOTAS
Jarrón de cerámica con esmalte que gotea
Altura 19 cm
1971
Firmado Silveira y Abbondanza 71

Silveira y Abbondanza: un legado

Desde el viernes 8 de setiembre al domingo 15 de octubre de 2017
Sala 1

Dos ceramistas y una entrega

Hay edades de la vida en las que es necesario tomar decisiones definitivas. Por eso resolvimos entregar al Museo Nacional de Artes Visuales las obras de cerámica que habíamos guardado en nuestro poder durante décadas, agradeciendo la custodia que esa institución se dispone a ejercer sobre estos trabajos artísticos.
La donación incluye veinticinco piezas esmaltadas y siete obras más complejas, integradas por numerosos componentes. Aunque eso consiste simplemente en la transferencia de unos objetos de arcilla, se trata de un acto que para nosotros asume otro valor, no ya a nivel cultural o legal, sino a escala emocional. Porque supone desprenderse de lo que realizamos y luego conservamos durante tantos años, como si ahora le dijéramos adiós con los brazos en alto.

Enrique Silveira y Jorge Abbondanza

A propósito de la pregunta acerca de las razones de por qué donar y el lugar elegido como destino, Abbondanza desarrolló las ideas del equipo: «Nos generó gran pena la idea inicial de desprendimiento». Sin embargo, gira el clima de la frase y enfatiza enseguida que, «por encima de todo, dicha determinación también significó una enorme alegría. Porque para nosotros esta decisión fue el resultado de una tarea juiciosa.

Ma. Eugenia Grau

Escribí varias veces, en la posdictadura, acerca de lo que llamé «postura combatiente de la cultura» durante ese período. Destaqué en esos textos la desazón de Dumas Oroño, que fue llevado por esos tiempos, y creyó llegar a lo que llamó una «no pintura». Recordé a Hilda López, que hizo públicos en forma intensa los dramas de su gente y su país; también a Lacy Duarte y a Nelbia Romero, ambas con una exasperación expresiva canalizada en diferentes temáticas. Me referí a muchos otros, entre los cuales no valoré en sus justos términos, como aporte a la historia local, lo que hicieron entonces Silveira y Abbondanza, cuando recurrieron, en general, a una suerte de «humor negro»; sin dejar de lado el rigor expresivo y técnico que ha caracterizado toda su obra.

Olga Larnaudie


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