Museo Nacional de Artes Visuales
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2019





Uno de los tres chiripás (c.1881) - Juan Manuel Blanes (1830-1901) - Óleo sobre tela - 51 x 41 cm - Nº de Inventario: 1145 - Colección MNAV: arte en el Uruguay 1865-1950
Uno de los tres chiripás (c.1881)
Juan Manuel Blanes (1830-1901)
Óleo sobre tela
51 x 41 cm
Nº de Inventario: 1145

Colección MNAV: arte en el Uruguay 1865-1950

Desde el viernes 4 de octubre de 2019 al domingo 2 de febrero de 2020
Sala 2

El Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), fue creado por la Ley 3.932 del 10 de diciembre de 1911, con el nombre de Museo de Bellas Artes, y abrió sus puertas al público en 1914.

En sus casi 108 años de vida, el actual MNAV ha constituido un acervo de más de 6.700 obras que lo convierten en el más importante museo de arte del país.

Tal como se explicita en su razón de ser, la misión del Museo Nacional de Artes Visuales es contribuir al desarrollo cultural del país, difundiendo la cultura plástica y visual, de documentar la evolución del arte nacional y de acrecentar la colección de artes plásticas y visuales del país, optimizando las condiciones para su adecuada preservación, y de investigar y promover la investigación en áreas del arte y su historia.

En esta oportunidad, la exposición Colección MNAV: arte en el Uruguay 1865-1950 abarca el período fundacional del arte nacional a partir de la figura central de Juan Manuel Blanes, y sigue un desarrollo cronológico hasta Joaquín Torres García y su Escuela del Sur.

Ver las obras expuestas en Sala 2




Descargue el dossier de prensa - Gustavo Wojciechowski  - Tapas (1979-2019)
Descargue el dossier de prensa

Gustavo Wojciechowski
Tapas (1979-2019)

Desde el jueves 14 de noviembre de 2019 al domingo 2 de febrero de 2020
Salas 1 y 3

Gustavo Wojciechowski, alias Maca, recorre su carrera como caratulista mediante una selección de 500 tapas. La mayoría corresponden a libros de la editorial Yoea y Yaugurú. También incluye diseño de tapas de revistas, casetes, vinilos y cedés.
Muchas de las piezas realizadas por Maca tienen como protagonistas principales del diseño: el formato, la textura del soporte, la terminación mediante intervención del papel con objetos o la pintura que el diseñador o un artista invitado realiza para convertir el ejemplar en una pieza única. Son estas piezas las que se exponen en vitrinas para que el público pueda apreciarlas mejor.
Diseñar tapas durante más de cuatro décadas, habiendo comenzado antes de que apareciera en el medio la primera computadora --cuando todavía se armaba en frío--, inevitablemente conforma una tarea histórica en sí misma. Enmascaradas por el estilo y paleta de recursos propia del diseñador, las piezas gráficas revelan una trama que ancla recursos de acuerdo a la tecnología del momento.
Que a Maca nada de lo gráfico le es ajeno queda muy claro cuando nos detenemos a observar los recursos utilizados para la elaboración de sus carátulas. Sabe, además, establecer con maestría las fronteras entre dibujo y diseño gráfico sin perder la poesía que caracteriza su forma de ver y pensar.
Las tapas que Maca intervino con trazos, recortes, etiquetas y manchas para hacerlas únicas son piezas gráficas importantes en su carrera y que combinan características fundamentales de su accionar polifacético. Estas tapas combinan mirada poética, astucia de diseño, intención de colectivo y al mismo tiempo una clara intención de privilegiar la unicidad.

Los trabajos del siglo pasado (Ediciones de Uno y Yoea) se exhiben en la sala 1 y los de este siglo en la sala 3.

Alejandro Sequeira
Curador y asesor de montaje


Gustavo Wojciechowski
(Maca) nació en Montevideo, Uruguay, en 1956. En 1978 diseñó su primer carátula de libro, desde entonces trabaja como diseñador gráfico e ilustrador en forma independiente.
En 1993 funda el estudio BARRA/Diseño junto a Jorge de Arteaga, Marcos Larghero y Jorge Sayagués; el cual integra hasta 2000.
Ha ilustrado desde 1990 para el suplemento Cultural del diario El País (de Montevideo), también para las revistas Guambia (entre 1984 y 1991) y El Pulgar (1986).
Desde 1996 es docente en la Universidad ORT Uruguay de varias materias del área proyectual así como tipografía y diseño editorial. Dos años más tarde es nombrado catedrático asociado de dichas áreas. En el 2001 obtiene el Premio a la Excelencia Docente y el Certificado en Docencia Universitaria. Dicta clases en las licenciaturas en Diseño Gráfico, Industrial y de Modas, así mismo forma parte de los tribunales de portfolio final en la licenciatura en Diseño de Interiores. Ha coordinado los talleres extracurriculares de tipografía DOBLETTE, DOBLETT3, TT4, TT5, los cuales dieron origen a las respectivas exposiciones y publicación de libros.
Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas tanto como artista plástico como diseñador gráfico, ilustrador y poeta visual, tanto en el Uruguay como en el exterior.
En 2004 funda su propio sello editorial: Yaugurú.
Participó de las exposiciones «120 carteles de finales del Siglo XIX a principios del Siglo XXI» (Universidad Veracruzana, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Trama visual, México, 2008), las Bienal Iberoamericana de Diseño, BID_08 (Madrid, España, 2008 y 2010), y «Homenaje a Shigeo Fukuda, 76 diseñadores por sus 76 años» (Museo Nacional del Arte, La Paz, Bolivia, 2009), «25 años de Gestalt» (Veracruz, México, 2012) y «Uruguay Diseña» (Helsinki, Finlandia, 2012).
En el 2010 obtiene el Reconocimiento Latinoamericano a la Trayectoria Académica Profesional en el Diseño en el I Congreso latinoamericano de Enseñanza de Diseño, Universidad de Palermo, Buenos Aires (primer diseñador en recibir tal distinción) y el Premio al Mérito Gráfico y Esfuerzo Editorial por su trabajo con la editorial Yaugurú, otorgado por la Cámara Uruguaya del libro.




Javiel Raúl Cabrera - Sin título - Lápiz tinta y acuarela sobre papel - 59 x 40,5 cm - Descargue el dossier de prensa -  - Javiel Raúl Cabrera - Entre el olvido y la leyenda
Javiel Raúl Cabrera
Sin título
Lápiz tinta y acuarela sobre papel
59 x 40,5 cm
Descargue el dossier de prensa


Javiel Raúl Cabrera
Entre el olvido y la leyenda

Desde el jueves 28 de noviembre de 2019 al domingo 2 de febrero de 2020
Sala 4

Más conocido por las anécdotas que adornan una vida de bohemia y de reclusión que por las virtudes de una obra pictórica excepcional, la figura de Javiel Raúl Cabrera (Montevideo, 1919 - Santa Lucía, 1992) oscila entre los extremos del olvido y la leyenda. A cien años de su nacimiento se impone una relectura de su obra y un ajuste de cuentas con su legado -que excede lo meramente pictórico-, para darle ingreso definitivo, y por la puerta grande, a la principal pinacoteca del país.
El surgimiento del joven artista en el seno de la llamada generación del 45', sus primeras exposiciones montevideanas, la amistad con el poeta José Parrilla, los vínculos con el Taller Torres García, la prolongada internación psiquiátrica y su posterior egreso con viaje a Europa incluido, así como los últimos años de existencia apacible en Santa Lucía, son algunos de los derroteros que se verán reflejados en una producción pictórica que también conoce de extremos, con etapas luminosas y sombrías, toscas y sutiles.
La muestra presenta testimonios y documentación inédita, escritos y objetos personales para esclarecer algunas de las circunstancias históricas que dieron lugar a la leyenda "Cabrerita". Pero, en especial, busca recuperar su enorme significación plástica, la carga simbólica de sus personajes, su musicalidad y su alto vuelo poético.

Pablo Thiago Rocca
Curador



Javiel Raúl Cabrera
Nace en Montevideo el 2 de diciembre de 1919. Transcurre los primeros años de su infancia como niño expósito en el asilo Dámaso Antonio Larrañaga y luego es adoptado por una familia de inmigrantes italianos de apellido Panochi. Asiste a la escuela José Pedro Varela hasta 5º año y ya entonces manifiesta condiciones artísticas excepcionales, como testimonia su compañero de banco el escritor Mario García. A los 11 años realiza un dibujo de José Pedro Varela que se publica en un periódico de gran tirada, razón por la cual lo llevan a estudiar con el pintor Gilberto Bellini. Luego conoce un corto aprendizaje con Pablo Serrano en el Taller Don Bosco y también un breve pasaje por el taller de Carlos Prevosti. Su trabajo artístico es permanente y constante a pesar de las condiciones de una vida accidentada en entornos adversos. "Cabrerita", como le decían los protagonistas de su generación, frecuentaba las tertulias del Café Sorocabana, de los bares Metro y Yatasto, junto a recordadas personalidades como Juan Carlos Onetti, Carlos Maggi, Idea Vilariño, Humberto Megget, Carlos Brandy, Felisberto Hernández, José Luis "Tola" Invernizzi y José Parrilla. También amistó con los alumnos de Joaquín Torres García y resultó influenciado por el maestro del Universalismo Constructivo. Participó en exposiciones individuales en la Asociación Cristiana de Jóvenes de Montevideo, en el Ateneo de Montevideo, en el X Salón Nacional de 1946, en la sala de AIAPE en 1947, en la XVI Bienal de San Pablo, Brasil, en 1981, en París en 1985 y una importante muestra colectiva de arte contemporáneo uruguayo en Alemania en 1982. Fue premiado en el V Salón Municipal de 1944; X Salón Nacional en 1946, y VII Salón Municipal de 1946. Hacia fines de los años cuarenta vive junto con el poeta José Parrilla, amigo desde la adolescencia. Cuándo este viaja a Europa, Javiel queda al cuidado de la hermana de José, la poeta Lucy Parrilla, pero al poco tiempo ella y su familia son desalojados. Lucy llega a un acuerdo con el entonces Director del Hospital Vilardebó, el Dr. Alfredo Cáceres, para que aloje al pintor en ese centro como una manera de paliar su situación habitacional. Pero cuando el Dr. Cáceres deja la Dirección del Vilardebó, el nuevo director decide el traslado de Cabrera a la Colonia Etchepare, donde permanece casi 30 años. En la larga internación conoce períodos de indigencia, es sometido a tratamientos de electrochoque y pasa muchas penalidades. Hacia principios de los años ochenta del siglo pasado es egresado de la institución psiquiátrica y adoptado por la familia Lucchinetti de la ciudad de Santa Lucía, donde transcurrirán sus últimos años en paz. En 1987, a instancias del artista Espínola Gómez, obtiene una pensión graciable por parte del Estado. En su vasta producción de óleos, dibujos y acuarelas, sus motivos predilectos son extrañas figuras femeninas en poses hieráticas y de mirada profunda y enigmática. Pintó también paisajes, escenas bíblicas, autorretratos y retratos de amigos. Falleció en la ciudad de Santa Lucía el 28 de diciembre de 1992.




Julio Alpuy (1919-2009) - Personajes constructivos, 1955 - Mosaico - 42 x 52 cm - Homenaje a Julio Alpuy (1919-2009)
Julio Alpuy (1919-2009)
Personajes constructivos, 1955
Mosaico
42 x 52 cm

Homenaje a Julio Alpuy (1919-2009)

Desde el jueves 5 de diciembre de 2019 al domingo 9 de febrero de 2020
Sala 5

La exposición plantea un recorrido por los 70 años de una vida dedicada al arte, a través de diferentes medios y expresiones: pintura, dibujo, grabado, murales, cerámica, relieves y esculturas. Se presenta cronológicamente desde sus primeros trabajos vinculados al magisterio de Joaquín Torres-García a partir de 1940. Poco tiempo después, entre 1943-1946, desarrolla una serie de obras muy personales referidas a la ciudad y su arquitectura.

En 1944 integra el equipo de jóvenes artistas que pintaron los murales en el hospital Saint Bois. Luego, entre 1945 y 1952, son años de intensa pertenencia al Taller Torres-García; se suceden viajes a Argentina, Bolivia y Perú, el descubrimiento de las raíces americanas; asume la enseñanza del dibujo y la pintura en el TTG, fallece Joaquín Torres-García el 8 de agosto de 1949; estadía en Buenos Aires en 1951, cuaderno de dibujos; viaje a Europa y Medio Oriente, contacto con las grandes civilizaciones de la Antigüedad y visita a los más importantes museos y colecciones de Europa; regresó a Montevideo en 1953. Trabajo intenso en el muralismo, desarrollado a partir de su particular visión de los Oficios, en diferentes propuestas y materiales. De esta etapa es el Mural Oficios ubicado en el Liceo Larrañaga, que ha sido felizmente restaurado. Continua la docencia en el TTG. Luego en 1957, Alpuy se aleja del Uruguay, estadías en Chile, Colombia y Venezuela, viaje a Alemania y Francia, entre 1957 y 1961 para finalmente radicarse en Nueva York, en diciembre de 1961.

Entre 1962 y 1970 trabajó casi exclusivamente en relieves de madera, dando lugar a obras de gran originalidad y calidad, que paulatinamente abordan la tercera dimensión. Alpuy se reconoce en esta etapa como escultor. Sus trabajos en la serie de maderas incisas y coloreadas constituyen una aportación original de gran calidad plástica y fuerza expresiva, significando un hito destacado en la evolución de su arte. Son obras muy personales, de gran originalidad y sugestión, que no tienen vinculación alguna con ninguna otra corriente, tendencia o personalidad artística. Especialmente aquellas creadas entre los años 1962 y 1964, poseen una poderosa carga expresiva y tienen que ver con mundos primigenios, que aluden al origen, transcurso y fin de la vida.

Paralelamente hacia 1970 emprende el dibujo y el grabado en contacto con Luis Solari,(1918-1993) quien residía en New York. Su obra posterior se centra en la escultura aunque por períodos retoma la pintura y el dibujo.

La muestra propone una lectura cronológica de la obra pero también pone foco en la diversidad de técnicas y materiales empleados a lo largo de una vida de trabajo.

Rafael Lorente Mourelle

Julio Alpuy

Julio Uruguay Alpuy nace en 1919 en Poblado Cerro Chato, situado en Tacuarembó, Uruguay. A los 16 años de edad se radica en Montevideo, donde continúa sus estudios. En 1940 conoce a Joaquín Torres García. Al poco tiempo de integrarse a su Taller se dedica a la docencia, actividad que desde entonces nunca abandonará. Incursiona en las más diversas técnicas: dibujo, acuarela, témpera, grabado, pintura de caballete y mural, mosaico, vitral, cerámica y construcción en madera. Luego de la muerte de Torres en 1949, recorre varios países de Europa, Cercano y Medio Oriente y África. Después viaja a Chile, Colombia (donde vive casi dos años) y Venezuela, hasta que en diciembre de 1961 se instala definitivamente en Estados Unidos de América. Desde su primera muestra colectiva, la "Undécima Exposición del TTG", en el Ateneo de Montevideo en mayo de 1943, sus trabajos se han exhibido infinidad de veces en galerías e instituciones de América y Europa. Se destaca, entre otras, la muestra itinerante inaugurada en el Museo Nacional --Centro de Arte-- Reina Sofía de Madrid en el año 1991, "La Escuela del Sur, el Taller Torres García y su Legado". La presencia de su obra en importantes colecciones y museos, y diversas becas otorgadas por destacadas instituciones, avalan el reconocimiento a su extensa trayectoria. Fallece en el año 2009, en la ciudad de Nueva York. Alpuy continúa siendo ejemplo de constancia y disciplina.


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