Museo Nacional de Artes Visuales
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Exposiciones actuales



2018





Recreo, c.1924 - Petrona Viera (1895-1960) - Óleo - Tela - 86 x 90 cm -  - Ver las obras expuestas en sala 2 - Colección MNAV
Recreo, c.1924
Petrona Viera (1895-1960)
Óleo - Tela
86 x 90 cm

Ver las obras expuestas en sala 2

Colección MNAV

Desde el martes 9 de enero al domingo 30 de diciembre de 2018
Sala 2

EL Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), creado en 1911 en su actual ubicación, ha incorporado a lo largo de su existencia un acervo de más de seis mil obras, especialmente de artistas nacionales, conformando en la actualidad la colección artística más importante y representativa del patrimonio artístico del Uruguay.

El MNAV expone, preserva, investiga y difunde la mayor parte de los ejemplos constituyentes de distintas influencias, mayoritariamente de fuertes acentos europeos, característicos, además, de una sociedad aluvional proveniente de Europa. Desde los últimos decenios del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX -previamente a la fundación del Círculo de Bellas Artes en 1905- nuestros artistas se formaban con maestros extranjeros en Uruguay, o beneficiados con la Ley de becas de 1907, completaban su aprendizaje en tierras europeas (especialmente España, Italia y Francia), dejando improntas en su producción. Sin embargo, en su desarrollo histórico, y con motivaciones técnicas, filosóficas o ideológicas, se vislumbran asimismo ejemplos vinculantes que vindican la región y el continente americano. Son ejemplos de ello parte de la producción de Juan Manuel Blanes, Pedro Figari, Joaquín Torres García, entre otros. A lo largo de su recorrido histórico los artistas uruguayos en el exterior se relacionaban con otros provenientes diferentes países latinoamericanos, o establecían lazos con la región; es el caso de Humberto Causa, María Freire, Pedro Costigliolo, Nelson Ramos, solo ejemplos de una lista mucho más larga.

La presente selección de obras de la colección del MNAV tiene por cometido manifestar las múltiples posibilidades de lecturas de la producción artística de Uruguay, en la certidumbre que a través de ella emergen, se aglutinan, confrontan y debaten los flujos de una sociedad en sus diferentes momentos de conformación, en movimiento y desarrollo incesante.

María Eugenia Grau
Coordinadora del Área Educativa del MNAV




Fernando Botero - Variaciones sobre Cézanne, 1963 - Óleo sobre tela - 131 × 150 cm - Trilogía: Colombia, México, Uruguay - Colección SURA y MNAV
Fernando Botero
Variaciones sobre Cézanne, 1963
Óleo sobre tela
131 × 150 cm

Trilogía: Colombia, México, Uruguay - Colección SURA y MNAV


Trilogía: Colombia, México, Uruguay
Colección SURA y MNAV

Desde el jueves 22 de marzo al domingo 10 de junio de 2018
Sala 2

La Exposición Trilogía: Colombia, México, Uruguay, reúne una selección de pinturas, dibujos y cerámicas pertenecientes a tres colecciones diferentes: Colección SURA Colombia, Colección SURA México y Colección MNAV; bajo la curaduría de Carlos Arturo Fernández, Consuelo Fernández Ruiz y Enrique Aguerre.
La exhibición fue pensada para dos destinos. Uno de ellos Buenos Aires, Argentina, con la Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat y Montevideo con obras del acervo del Museo Nacional de Artes Visuales.
El conjunto de ochenta y dos obras de cuarenta y ocho artistas marca un diálogo entre tres colecciones cuyas características de creación de obra, así como sus influencias artísticas, propendieron en un principio a exhibir ejemplos destacados, preferentemente en pintura. Afirman sus curadores que no estaba propuesta la búsqueda de una trama común. Sin embargo, los elementos históricos y geográficos del continente, como los avatares políticos e históricos, fueron conformando una red vincular de asuntos comunes que redundó en una propuesta museológica de agrupaciones por ejes temáticos: retratos, trabajos rurales, infancia, creencias, crítica social. Dichas agrupaciones exhiben distintos períodos de búsquedas e influencias plásticas, desde raíces locales a formaciones artísticas especialmente europeas. Muchos de los artistas acá expuestos se conocieron en el usufructo de becas en Italia, Francia o España, fenómeno que se ha revertido en las últimas décadas donde también se han incrementado contactos dentro del continente americano. Si bien cada obra nos describe aspectos locales insoslayables de México, Colombia, Uruguay (trabajos, creencias, indumentarias, costumbres) el conjunto refiere de manera ineludible a América Latina y su recorrido plástico desde fines del siglo XIX. Se exhibirán obras de artistas consagrados como Frida Kahlo, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, Fernando Botero, Alejandro Obregón, Enrique Grau junto con muchos otros menos conocidos en nuestro medio. Pensamos además que la propuesta será una experiencia inusual al ver exhibidas las obras seleccionadas del acervo del MNAV en diálogo directo con los acervos seleccionados de Colombia y México.

Listado de artistas por países:

Colombia: Rodrigo Arenas Betancourt, Débora Arango, Fernando Botero, Alejandro Obregón, Pedro Nel Gómez, Enrique Grau, Eduardo Ramírez Villamizar, Andrés de Santa María, Domingo Moreno Otero, Fídolo Alfonso González Camargo, Augusto Rendón, Horacio Longas, Luis Alberto Acuña, Elsa Zambrano, Beatriz Daza, Lucy Tejada, Gabriel Montoya, Francisco Antonio Cano.

México: David Alfaro Siqueiros, Celia Calderón, Federico Cantú, Francisco Moreno Capdevila, José Chávez Morado, Rafael Coronel, Alberto Fuster, Jorge González Camarena, Saturnino Herrán, Ernesto Icaza, María Izquierdo, Frida Kahlo, Pablo O' Higgins, José Clemente Orozco, Emilia Ortiz, Alfredo Ramos Martínez, Jesús Reyes Ferreira, Diego Rivera, Rufino Tamayo, Emilio Baz Viaud, Francisco Zúñiga.

Uruguay: Rafael Barradas, Juan Manuel Blanes, Pedro Figari, Leonilda González, Carlos María Herrera, Lola Lecour, Hilda López, Carlos Federico Sáez, Joaquín Torres García, Petrona Viera.




De la serie Primera Guerra: sin nombre un territorio, 2016 - Telas cosidas a mano - 30 x 30 cm - y todos los otros - Elián Stolarsky
De la serie Primera Guerra: sin nombre un territorio, 2016
Telas cosidas a mano
30 x 30 cm

Fotograma de la animación Krynki, 2017 - Puntaseca sobre papel - 13,5 x 18 cm - y todos los otros - Elián Stolarsky
Fotograma de la animación Krynki, 2017
Puntaseca sobre papel
13,5 x 18 cm

De la serie InheritedLandscapes, 2016 - Grafito sobre papel hahnemühle 170g - 30 x 30 cm - y todos los otros - Elián Stolarsky
De la serie InheritedLandscapes, 2016
Grafito sobre papel hahnemühle 170g
30 x 30 cm

y todos los otros
Elián Stolarsky

Desde el jueves 26 de abril al domingo 10 de junio de 2018
Sala 4

"Elián Stolarsky (Montevideo, 1990) es una joven artista con inusitada actividad de proyecciones en el medio local e internacional. Ha atravesado una ruta formativa -que no cesa- en la que múltiples inclinaciones se potencian mutuamente hacia hallazgos plásticos, aunque también en terrenos de filosofía, literatura, teatro, danza. El conjunto de su creación encuentra una simbiosis de intereses que se imbrican de manera persistente y rigurosa en el estudio experimental con distintos medios técnicos y materiales, en especial en técnicas de grabado, dibujo, pintura, a las que fueron incorporándose, con una atención creciente en la animación y en el arte textil. Su obra refiere a una investigación constante (o búsqueda personal- emocional) en la que Stolarsky se relaciona con su historia generacional, eslabonada en múltiples momentos que considera propios: con su país de nacimiento, con la procedencia de familiares inmigrantes (polacos y abuela turca sefaradí). Este sentido de filiación identitaria y religiosa lo dirige especialmente al estupor derivado del Holocausto, con los terribles acontecimientos ocurridos durante la segunda guerra mundial. La destrucción en guerra y sus secuelas se hace patente en gran parte de su producción. A partir de hechos familiares, de su pasado, la artista parecería referir de manera ampliada a todas las guerras, a todas las poblaciones que desaparecen, a todos los deportados, a toda clase de exterminio.

La exposición constará de tres espacios diferenciados en procedimientos técnicos (animaciones, tapices, dibujos) que consideramos forman un todo integrado por su temática. Se desplegarán más de cien obras, en su mayoría ejecutadas entre 2015 y 2017, años de intenso estudio y producción. En ese trienio la artista realizó su Master en el KASK Conservatorium en Ghent, Bélgica (2015-2016); la pasantía en Red Star Line Museum, Antwerpen, Bélgica (2015- 2016); y la residencia en Casa de Velázquez, Madrid, España (2017)".

María Eugenia Grau
Curadora



Elián Stolarsky, Montevideo 1990. Artista visual. Finalizó su Maestría con Gran Distinción en Instalación y técnicas gráficas en KASK Conservatorium, HoGhent, Ghent Bélgica. Egresada del Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes en 2015 y de Animation Campus como animadora profesional en 2010. Se formó también con docentes reconocidos del medio uruguayo como ser Claudia Anselmi, Teresa Gilli, Mayerling Wolf, Ombú, Tunda Prada, Esteban Smerdiner, Edgardo Flores, Rimer Cardillo, entre otros. En paralelo, practicó, aprendió y continuó estudios de teatro y danza, vinculándose así al diseño (y en varias ocasiones a la concreción) de escenografías, ilustración y producción escénica. Expuso individual y colectivamente en distintas ciudades del Uruguay, Brasil, EEUU, México, Francia, Bélgica, España, China, Alemania, Paraguay. Ganadora de la beca Secretaría General Iberoamericana SEGIB para Casa de Velázquez, Madrid España 2017, beca Fundación Pilar I Joan Miro, Mallorca España 2017, Primer Premio Internacional Open Portfolio Fig Bilbao, Bilbao España 2017, Fellowshipartist en KALA Art Institute, Berkeley, EEUU 2017,beca FEFCA 2012, Primer premio Paul Cezanne 2013 por decisión unánime del jurado, residencia FransMasereelCentrum, Kasterlee, Bélgica 2014, residencia Cité des Arts-Paris Francia 2014, beca Goethe-Berlin Alemania 2014, beca Instituto Francés-Paris Francia 2014, entre otros.

Continúa su formación en técnicas gráficas viajando entre Europa y EEUU.




Pablo Bielli - Payasito (2018), fotografía digital impresa sobre papel 90 gramos intervenida con tintas al agua y acrílicos, 180 x 180 cm. - Diálogos con nuestra Bestia - Bielli, Bustelo, Fernández
Pablo Bielli - Payasito (2018), fotografía digital impresa sobre papel 90 gramos intervenida con tintas al agua y acrílicos, 180 x 180 cm.

Álvaro Bustelo - Sin título (2011), acrílico sobre metal, 70 x 45 cm. - Diálogos con nuestra Bestia - Bielli, Bustelo, Fernández
Álvaro Bustelo - Sin título (2011), acrílico sobre metal, 70 x 45 cm.

Gustavo Fernández - Hasta el hueso, (2018), malla de alambre, tela, pintura y trozo de rama, 230 x 63 x 60 cm. Detalle. -  - Diálogos con nuestra Bestia - Bielli, Bustelo, Fernández
Gustavo Fernández - Hasta el hueso, (2018), malla de alambre, tela, pintura y trozo de rama, 230 x 63 x 60 cm. Detalle.


Diálogos con nuestra Bestia
Bielli, Bustelo, Fernández

Desde el jueves 3 de mayo al domingo 10 de junio de 2018
Sala 5

"Para ir entrando en el tema un primer apunte sobre sus obras: me despierta curiosidad, cómo basándose en el "arte de lenguaje" por el cual cada uno de los tres se decide, como consiguen llevarlo con éxito al extremo, para construir metáforas artísticas que en mi opinión sorprenden.
Sus obras se presentan solidas técnicamente y conmovedoras en sus aspectos sensibles, trayendo consigo el alto nivel mostrado en sus anteriores exposiciones individuales.
Dicho de otra manera se destaca la utilización de lenguajes artísticos como la fotografía, la pintura, la cerámica y la escultura para resignificarlas al servicio de pensamientos visuales muy coherentes y extremos.
Otro aspecto que deseo señalar es la posible "ubicación geográfica" que veo en común, en las obras de Bielli, Bustelo y Fernández; con ello quiero decir que a veces las investigaciones de ciertos artistas están directamente ligadas a la región o lugar donde son creadas.
Esto, a mi entender es un aspecto significativo notorio y muy importante".

Carlos Seveso
Curador



Pablo Bielli
Nací en Montevideo en 1969. Me inicio en la fotografía en 1987, paralelamente realizo cursos de cine, video y semiótica OCIC-Plan DENI; talleres de plástica - Duarte, Peralta, Fernández, Nena Badaró; serigrafía (Ferrando); escultura (Ugolino), Fotograbado; diseño gráfico y retoque digital.
En 2006 realicé asistencia de cámara (Fernando Gatto, ECU) y recientemente participo en Buenos Aires en el Seminario sobre Cine Documental con Ramiro Guzmán (Chile) y en el de Dirección de Fotografía de Cine con Félix Monti y Hugo Collace. En el 2015 realizo el taller de Cine Documental -ECU con Julieta Rudich.
Realicé 10 exposiciones individuales y participe en más de 70 colectivas en Uruguay, Argentina, Chile, México. Desde el 1990 en adelante he trabajado como tallerista de expresión plástica y fotográfica. Durante seis años ejercí la docencia en el Taller de Iluminación del Foto Club Uruguayo y actualmente me hago cargo del taller de retrato.
En el año 2000 gané el premio UTE / 49º Salón Nacional de Artes Visuales, también dos fondos concursables en el 2012 y 2016, además de un primer premio en el concurso de Digan Agua de MVOTMA. En marzo del 2018 realice la curaduría de la muestra Tri X: Introspectivo de Jorge Vidart en el CDF.

Álvaro Bustelo
Nací en Montevideo, el 7 de mayo de 1967.
A finales de los 80, descubrí mi pasión por la pintura en el taller de Carlos Seveso. Escuela Nacional de Bellas Artes.
Mi trayectoria artística ha sido muy diversa a lo largo de estos años.
Fui seleccionado en dos ediciones del Premio Nacional de Artes Visuales, 2008 y 2010, así como he obtenido una serie de menciones en distintos eventos artísticos a nivel nacional como Premio Morosoli 2005 revelación en pintura.
He realizado exposiciones individuales y varias exposiciones colectivas nacionales e internacionales en España, Alemania. Cuba y Bélgica.
Parte de mi obra integra las pinacotecas del Discount Bank, Alianza Francesa, Escuela Nacional de Bellas Artes, Fundación Unión así como colecciones privadas de Alemania, Estados Unidos, Costa Rica entre otros países.
Mi arte nace en mi casa con mis hijos Simona y Luciano. Creación que surge de vivencias profundas en contacto con la naturaleza, el verde de la selva y el horizonte.
Canalizo, exorcizo y plasmo en mi obra el sentir de mi vida.

Gustavo Fernández Cabrera
Nace el 20 de setiembre de 1958 en Montevideo.
En 1975 entra en el Taller Barradas a cargo de Salomón Azar para iniciarse en dibujo, grabado y cerámica, cursando paralelamente Preparatorios de Arquitectura.
Ese mismo año empieza a practicar arqueología de campo con el Centro de Estudios de Ciencias Naturales y se vincula con diferentes religiones y sectas relacionando definitivamente su plástica con una búsqueda espiritual.
En los años 80' hace escultura con Freddie Faux, tapiz gobelino con Carlos Bermúdez, pintura y composición con Clever Lara y Carlos Caffera, grabado en metal con David Finkbeiner, Litografía con Álvaro Cármenes, papel hecho a mano con Laurence Barker, y últimamente cerámica y alfarería en el Taller Naceres con Javier Wijnants.
En el 2013 la Fundación Lolita Rubial le otorga el Premio Morosoli de Plata- en Promoción y Difusión Cultural. por el trabajo que hace de difusión de las Artes plásticas y sus protagonistas desde 1995 a través de charlas y espacios en los medios de comunicación, CX 14 Espectador, FM Océano, Radio Uruguay 1500 AM, TNU Televisión Nacional y TV Ciudad.
Expone desde 1977, en Uruguay, Brasil, Argentina, Europa y Estados Unidos, estando su obra en colecciones privadas y museos.
Vive y trabaja en Montevideo, teniendo actualmente su taller en El Cibils, Ciudad Vieja.




Autorretrato con la peste en Ceppaloni, 1988 - Díptico, acrílico sobre tela - 150 x 150 cm c/u - Colección particular - Homenaje a Clorindo Testa (1923-2013)
Autorretrato con la peste en Ceppaloni, 1988
Díptico, acrílico sobre tela
150 x 150 cm c/u
Colección particular

Homenaje a Clorindo Testa (1923-2013)

Desde el viernes 11 de mayo al domingo 12 de agosto de 2018
Sala 2

Presentación del díptico "Autorretrato con la peste en Ceppaloni" (1988) de Clorindo Testa en homenaje a su trayectoria y su estrecho vínculo con el Museo Nacional de Artes Visuales. En 1970 el Arq. Testa fue responsable de la ampliación y remodelación del edificio que alberga al MNAV.
"Autorretrato con la peste en Ceppaloni" (1988), acrílico sobre tela, partes A y B, 150x150 cm pertenece a una colección privada y se exhibirá en el MNAV del viernes 11 de mayo al domingo 12 de agosto.

Clorindo Manuel José Testa (Nápoles, 1923- Buenos Aires, 2013) emigra junto a su familia a Sudamérica cuando aun no contaba su primer año de edad. Cursa la carrera de arquitectura en la Universidad de Buenos Aires graduándose en 1948 y se transforma en uno de los más prestigiosos arquitectos de Argentina y del continente en la segunda mitad del siglo XX. Bajo la influencia de Le Courbusier trabaja con muchos de sus discípulos. Genera un lenguaje contemporáneo propio que se traduce en obras emblemáticas, como el Banco de Londres (hoy Hipotecario), la Biblioteca Nacional, la remodelación del Centro Cultural Recoleta en Buenos Aires, entre muchos otros ejemplos caracterizados por evidenciar materiales- como el uso expresivo del hormigón- y estructuras de espacios integrados. En Montevideo es responsable, nada menos, de la ampliación y remodelación del actual Museo Nacional de Artes Visuales (1970). Testa desarrolla con igual intensidad su interés por las artes plásticas a través de dibujos, objetos y pinturas. Sus primeras muestras de significación son realizadas en los años cincuenta, participa posteriormente de manera muy activa en el Centro de Arte y Comunicación (CAyC) de Buenos Aires. Esta obra en particular conforma un sustancial ejemplo de su manejo del color vinculado a un tema desarrollado en serie: la peste, en donde inserta su propio retrato. El arquitecto- artista es distinguido y premiado en numerosas ocasiones en bienales, universidades, ciudades y especialmente recordado por su descollante capacidad proyectual, humor y bonhomía.


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